Carme Sansa. Foto: Sílvia Poch
El Tío Vania es una obra clásica de teatro de Anton Chékhov publicada en 1899 que se ha estrenado este año coproducida por el Teatro Lliure de Barcelona y el Festival Temporada Alta con un reparto de actrices y actores catalanes y la dirección de un conocido dramaturgo lituano, Oskaras Koršunovas.
El montaje se estrenó como espectáculo inaugural del Festival Temporada Alta y se puede ver estos días en el Teatre Lliure de Monjuïc, hasta el 19 de diciembre.
Carme Sansa, que lleva años llenando los escenarios catalanes con buen teatro, interpreta en esta ocasión a la madre de Ivan Petròvitx, el tío Vania. Le hago esta entrevista buscando saber más de la obra y de la vida como actriz.
Carme Sansa. Foto: Sílvia Poch
En la obra haces de madre de Vania, María Vassílievna Voynitskaya, ¿cómo describirías la fascinación que el personaje siente por el profesor, este vínculo que parece tenerla cautivada y no le permite ver la realidad?
Para empezar, tengo que decir que la María Vassílievna, la madre del Vania, a pesar de ser un personaje breve, me gusta interpretarlo. Es una mujer que ha leído, que se ha formado, que tiene teorías feministas (su hijo se lo critica ante los demás). Es comprensible que sienta afinidad con su yerno, el profesor. Además, la trata con consideración (no sabe que él la encuentra insoportable). Incluso cuando Vania lo desenmascara, ella no piensa que sea verdad. Quizás en otro momento lo habría creído, pero últimamente su comportamiento no va acompasado, no trabaja, no hace nada. Ella está muy enfadada con su hijo y no es objetiva.
¿Cómo interpretas la voluntad expresa del personaje de querer mantener el statu quo?
La “mamá”, como lo denomina el yerno, vive tranquila. Está bien en casa, con su hijo, su nieta, la niñera. Con sus libros, algún paseo… Ya es mayor, ¿porque cambiar nada?
¿Crees que el trato que recibe por parte de los otros personajes avala de alguna manera la dinámica social bastante extendida del edadismo (o la discriminación por la edad que sufre la gente mayor)?
No estoy segura de que sea una cuestión de la edad. Quizás más bien es ella que se aísla con sus lecturas. De hecho, aparte de su hijo, no hay casi ningún personaje que se dirija a ella, que le hable. En algún montaje incluso han prescindido de la María Vasílievna. Pero el director, Oskaras Korsunovas, dijo que quizás podría se hacer la obra sin el personaje de Teleguin pero que la madre tenía que estar.
¿Habías interpretado alguna vez, o te hubiera gustado hacerlo alguno otro personaje de Chékhov?
Nunca había participado en ninguna obra de Chékhov. Es un escritor que me gusta mucho. Una de las tres hermanas me habría encantado hacer. Ahora me tocaría la Tata.
El teatro de Chékhov siempre deja la sensación que el drama que plantea no queda resuelto, de que los personajes seguirán viviendo de forma similar cuando vaciemos el teatro, lo sientes así con los personajes de esta obra?
Si, absolutamente. Vania y Sonia, la sobrina, han sufrido, han llorado, han reflexionado, se han planteado temas, pero saben que lo único que pueden hacer para salvarse es ponerse manos a la obra, trabajar, que todo vuelva a ser cómo antes, que vuelva la normalidad.
¿Cómo ha sido la experiencia de un elenco catalán con un director lituano y como lo hacíais para entenderos y captar los matices requeridos para la excelente puesta en escena resultante?
Ha sido una aventura espléndida! El director hablaba en lituano y una intérprete lituana, Kristina Nastopkaite, nos lo traducía al catalán. Un catalán excelente. Fue una persona muy importante, imprescindible. No era una simple traductora. Se implicó del todo. Interpretaba muy bien lo que queríamos preguntar o manifestar al director o lo que él nos pedía. Había una excepción, el personaje de Ilia Ilitx Teleguin, el que toca la guitarra, lo interpreta el actor letón, Kaspar Bindeman y con el director se entendían en ruso.
El fantástico espacio escénico diseñado por Gintaras Makarevicius que establece una separación entre el interior de la casa con muebles antiguos y un exterior con elementos más modernos permite mucho juego escénico y de profundidad a la obra. ¿Teníais instrucciones diferentes para las actuaciones de dentro o de fuera y a la hora de romper la cuarta pared?
De hecho, en el espacio interior, también se mezclan elementos modernos. Hay dos sillas de metacrilato como las del espacio exterior. La forma de actuar no cambia. En cuanto a romper la cuarta pared, es evidente que, si explicas una cosa y te diriges directamente al público, el tono cambia, no es lo mismo que decírselo solamente a los otros personajes. Personalmente me gusta porque el texto llega con más fuerza al público.
Fotos: Sílvia Poch. Teatre lliure / Temporada Alta
¿Qué recibimiento de público habéis tenido en el Festival Temporada Alta y en el Teatre Lliure?
Desde la primera función en el Teatre El Canal de Salt, Girona así como en el Teatre Lliure de Montjuic de Barcelona, el recibimiento ha sido magnífico. Muchos aplausos, público de pie. ¡Emocionante! Y lo mismo en el Prat de Llobregat, Sabadell, Figueres, Mallorca (Palma y Manacor) y Vic.
¿Cuál es tu opinión del estado actual del teatro y de las difíciles adaptaciones de formatos y de relaciones con el público y entre actores/actrices que la pandemia ha comportado?
Esta pandemia es un desastre para casi todas las personas, ya lo sabemos. En nuestra profesión, había espectáculos que se estaban representando, otros que se estaban ensayando y todo se tuvo que parar. Cuando pudimos volver a actuar, con menos público, con las pruebas de antígenos cada semana, siempre con el pendiente, con el miedo de que hubiera alguien que diera positivo. Y fui yo misma, cuando estaba trabajando en el Teatro Nacional con la Emperatriz del Paralelo. Suspendimos las funciones una semana y media. Sin embargo para el público creo que es de los lugares más seguros. No se saca nadie la mascarilla y se debe salir de las salas ordenadamente. Con todo esto, hay muchas ganas e ilusión para hacer cosas y se hacen. Quedarse en la casa por fuerza, es duro, pero hay quién lo ha sabido aprovechar para trabajar, para crear.
Con los años que llevas de experiencia, ¿qué otro momento complejo para el mundo de la escena recuerdas y qué nivel de cohesión entre los y las profesionales hubo entonces para hacerle frente?
Recuerdo que en 1975 hicimos una huelga (en aquella época no estaba permitido) para lograr un día de fiesta a la semana. La mayoría de los teatros ya lo hacían, pero no era obligatorio. El Molino de Barcelona, por ejemplo, hacía funciones cada día, no descansaban nunca. A mí la huelga me pilló en Madrid. Estaba ensayando GODSPELL, una obra musical. Habían venido a hacer pruebas en Barcelona y me cogieron. Eran once meses de contrato. Los días de huelga no se cobraban, naturalmente y la pensión se tenía que pagar. Hacíamos asambleas casi permanentes y había unanimidad de criterios. Solo recuerdo un actor subido en una mesa, histérico, que no estaba de acuerdo en parar las actuaciones. Finalmente conseguimos lo que demandábamos. Otro hecho importante y de una gran solidaridad fue la gestión por parte de la Asamblea de Actores y Directores del GREC-76 al Servicio del Pueblo. Programar el Festival, actuar en una de las tres obras que se montaron con tres directores por cada obra, vender entradas en la Plaza de Cataluña y en el Teatre Grec, despachar en el bar de los jardines del teatro, pegar carteles…. Será difícil vivir algo parecido!
Foto: Sílvia Poch
El 19 de diciembre dais la última función de Tío Vania en el Teatre Liure, ¿la veremos a más lugares y/o ya tienes nuevos proyectos entre manos?
Después del Lliure, el TÍO VANIA se podrá ver en Valencia, Badalona, Granollers, Lleida, Reus, Balaguer, Manresa y Vilanova i la Geltrú. Yo seguiré con los 7 PECADOS CAPITALES de Joan Isaac, con Antoni Olaf-Sabater y Queralt Camps. De momento tenemos Tarragona, Calaf y el Botarell. Y me gustaría recuperar y seguir con Isabel Cinc Hores de Toni Strubell. La historia de la primera dirigente sindicalista de Cataluña.
Elsa Corominas con Carme Sansa. Foto @Elsa Corominas
